C'est quoi l'écriture thérapeutique ? 

L'écriture thérapeutique est un outil de médiation utilisé par l'art-thérapie. Associée à d'autres médiums artistiques tels que la peinture, la musique, le dessin, les collages ou la danse, c'est une approche très puissante. Elle offre une possibilité de transcender par les mots des vécus traumatisants, en libérant des affects bloqués. Dans ce cas, l'écriture remplace la parole verbale qui ne peut s'exprimer. Elle devient alors une sorte de porte-parole de soi et de son inconscient.

Quels sont les bienfaits de l'écriture thérapeutique ?

A l'image des autres procédés d'art-thérapie – des psychothérapies telles que la peinture, la sculpture ou le dessin utilisant la création artistique – l'écriture fait appel à la créativité. Certaines études en neurosciences montrent que l'utilisation de l'art-thérapie contribuerait à une meilleure plasticité cérébrale. Le processus créatif ainsi que la mise en mouvement créent un espace d'expression inédit, inattendu, nous invitant à entrevoir de nouvelles possibilités insoupçonnées. Nos mots et ceux des autres nous surprennent. Ils nous invitent à modifier le regard que nous portons sur nous-mêmes. Comme une mise en miroir, l'utilisation de l'écriture permet une distanciation par rapport à soi -grâce aux mots- et d'être en contact avec des émotions enfouies. En plus d'aider à prendre conscience de certains vécus émotionnels, l'écriture thérapeutique permet de découvrir que nous sommes capables de produire quelque chose de concret, ce qui renforce l'estime et l'image de soi. 

3 moyens pour débuter l’écriture thérapeutique

Il existe une infinité de méthodes pour faire de l’écriture thérapeutique car en réalité, il s’agit d’une activité très subjective : elle varie selon les personnes. Pour aider ceux qui ne sauraient par où débuter, je vous propose 3 moyens :

 1) Laissez votre esprit guider votre plume

Ne vous posez plus de questions, cessez de trop réfléchir et écrivez tout ce qui vous passe par la tête. Cela ne vous semblera pas toujours intéressant ni cohérent mais il s’agira du dessein de votre esprit.

Cet exercice d’écriture libre permet de rendre compte de vos schémas de pensée, vous pourrez alors plus facilement analyser vos idées et finir par mieux les comprendre et les organiser.

Par exemple, vous pourriez brièvement écrire ce que vous avez ressenti à un moment précis de la journée : “Le métro était bondé et je n’avais pas d’espace pour respirer correctement. Quand je regarde tous ces gens sans sourire, sans lumière, je me demande qui ils sont vraiment et je cherche à deviner leur personnalité, leur prénom ou même leur métier. Puis, je prends conscience de ce système si atypique : se lever le matin pour aller travailler et rentrer le soir pour aller dormir. J’ai peur que ma vie me file entre les doigts, j’ai besoin de profiter et de me sentir vivant.”

Plutôt que de ressasser et de ruminer vos pensées, une fois écrites, elles disparaissent de votre esprit, elles ne vous obsèdent plus. Vous vous sentez alors soulagé et libéré.

2) Essayez-vous à la poésie

Contrairement aux idées reçues, la poésie ne se résume pas qu’à des vers qui se terminent par des rimes. Il s’agit en réalité d’un exercice très intime qui demande de la réflexion et de l’introspection.

À l’inverse de la première méthode, cet exercice d’écriture demande plus que simplement mettre des mots sur ses pensées. Voici un premier guide que vous pouvez utiliser pour rédiger votre poème :

Commencez par recenser les images de votre enfance : celles des souvenirs qui sont les plus importants pour vous, celles qui vous ont touchées et qui évoquent un souvenir positif. Essayez pour chacune des photos de vous rappeler les émotions et les sentiments qui vous avaient traversés sur le moment.

Pour chacune des images, notez les émotions que vous associez au moment de la photo.

Lorsque vous aurez suffisamment collecté de détails, vous pourrez débuter votre poème. Il peut parler de sujets généraux ou alors évoquer des détails bien plus précis comme, par exemple, la voix de votre grand-père qui vous apprend à pêcher.

Contrairement aux autres méthodes qui peuvent être réalisées de façon routinière, la poésie nécessite d’être inspiré. Ainsi, elle peut se faire à n’importe quel moment, dans le bus, lors de votre pause au travail, sur votre téléphone ou dans un carnet.

3) Ecrivez une lettre

Le destinataire de cette lettre peut être un être cher, une personne en qui vous avez une confiance aveugle ou alors vous-même. Le but de cette lettre n’est pas de l’envoyer mais que vous vous sentiez suffisamment à l’aise pour dévoiler vos secrets et les choses qui pourraient peser sur votre moral.

De plus, cela peut être un moyen de vous livrer, de dire des choses à une personne en particulier que vous n’oseriez dire en vrai et qui, inconsciemment, avaient un impact négatif sur votre esprit et votre bien-être mental.

En Bref :

L'écriture thérapeutique peut être un bon moyen de vous soulager l'esprit à court terme, mais également d'améliorer votre santé mentale à long terme. En effet, bien que la thérapie par l'écriture puisse s'adresser à tout le monde, elle est recommandé chez les personnes qui souffrent de troubles de la santé mentale tels que la dépression ou l'anxiété. 

Toutefois, si vous ne souffrez d'aucune pathologie particulière mais que vous avez du mal à comprendre vos pensées, analyser vos comportements et libérer votre esprit, la thérapie par l'écriture est un exercice fait pour vous. Bien qu'il puisse demander du temps et de la patience, vous verrez rapidement les bienfaits sur votre santé morale mais également physique !

POUR ALLER PLUS LOIN :

Atelier d'Ecriture Thérapie : écrire pour se sentir mieux

Mon style évolue vers le POR ART! Wow!

Je peins depuis de nombreuses années, mon style a "grandi" avec moi...J'ai peint beaucoup de toiles abstraites, et même si c'est toujours mon style de prédilection, je suis en réflexion depuis quelque temps sur l'évolution de mon style, nourri par de nombreuses influences artistiques...Le Pop art est une influence décisive...J'ai donc tout naturellement orienté mon style dans cette voie, tout en conservant mon identité artistique et créatrice.

Je vous présente mon premier véritable tableau "Pop Art" : BLUE FLOWERS. Cette toile est un portrait féminin, j"aime beaucoup cette toile!! Vous pourrez d'ailleurs la retrouver sur ma boutique d'art...  (vendu)

Mais qu'est-ce que le POP ART au juste?

Le Pop art est l'un des mouvements artistiques principaux du 20e siècle. Le concept du Pop art est représenté par les artistes dans l'attitude donnée à l'oeuvre plutôt que par l'oeuvre d'art elle-même.

Le Pop art a contesté les traditions en affirmant que l'utilisation d'éléments visuels de la culture populaire produits en série est contiguë avec la perspective des beaux-arts depuis que le Pop art enlève le matériel de son contexte et isole l'objet, ou le combine avec d'autres objets, pour la contemplation. Le concept du Pop art se présente plus dans l'attitude donnée à l'oeuvre que par l'oeuvre elle-même.

Le Pop art est caractérisé par des thèmes et des techniques tirés de la culture de masse populaire, tels que la publicité, les bandes dessinées et les objets culturels mondains. Le Pop art est largement interprété comme une réaction aux idées dominantes de l'expressionnisme abstrait.

Le Pop art, comme la musique pop, vise à utiliser des images populaires par opposition à la culture élitiste dans l'art.

Le Pop art tire ses origines principalement de Grande-Bretagne, mais est grandement influencé par la culture américaine de ce temps. Plusieurs artistes influents du Pop art proviennent d'Amérique.

Les origines du Pop art en Amérique et en Grande-Bretagne se sont développées légèrement différemment. En Amérique, le Pop art a marqué un retour à la composition plus « hard-edged » et à l'art représentatif par les artistes employant la réalité mondaine, l'ironie et l'impersonnel pour répandre le symbolisme personnel et le relâchement de l'expressionnisme abstrait.

En revanche, l'origine du mouvement en Grande-Bretagne d'après-guerre était plus académique, avec un focus sur la figuration dynamique et paradoxale de la culture populaire américaine. Ils utilisaient l'ironie et la parodie pour illustrer ce dispositif symbolisant la puissance et la manipulation qui affectaient le style de vie d'une société, tout en améliorant la prospérité de celle-ci.

Le début du Pop art en Grande-Bretagne était une question d'idées, alimentées par la culture populaire américaine vue de loin, alors que les artistes de l'Amérique étaient inspirés par les expériences de la vie, directement dans cette culture.

Le Pop art fut influencé par les images vues dans les oeuvres d’art de l’artiste Eduardo Paolozzi, durant une exposition, en 1953, à l'Institut des Arts Contemporains. Il fut aussi influencé par des artistes américains tels que Jasper Johns et Robert Rauschenberg et des artistes britanniques tels que Richard Hamilton et le Groupe indépendant qui visait un style d’art moins académique.

Hamilton a aidé à organiser l’exposition « Man, Machine and Motion », de 1955, et « This is Tomorrow » avec son oeuvre historique « Just What is it that makes today's home so different, so appealing? »

Bien que le pop art fut originaire de la Grande-Bretagne, ce mouvement artistique a explosé en Amérique dans les années 50.

Bien qu'originaire de la Grande-Bretagne, le pop art a véritablement explosé aux États-Unis. Ce mouvement, en rupture avec l'abstraction, dénonce la société de consommation. Retour sur un courant iconoclaste.

Tandis que les Britanniques voyaient la culture populaire américaine d'une perspective légèrement détachée, leur point de vue était souvent traduit avec des traits romantiques, sentimentaux et pleins d'humour. En revanche, les artistes américains étant bombardés quotidiennement par une multitude d'objets de production de masse, ils travaillaient généralement avec plus d'agressivité.

Parmi les artistes les plus connus du pop art américain on retrouve bien entendu le représentant majeur : Andy Warhol.

Il utilise, à l'aide de sérigraphies, les objets de la production de masse et les représente sous forme de séries. Il produit également plusieurs portraits des célébrités de l'époque comme Elvis Presley, Marilyn Monroe ou Jackie Kennedy et les représente comme des icônes, mais aussi comme des objets de consommation. Il est alors persuadé que tout le monde peut avoir un moment de célébrité.

Roy Lichtenstein est aussi un artiste qui illustre le pop art. Il exécute des peintures des produits de consommation en utilisant les codes de la publicité, avec une touche d'humour.

On citera également d'autres artistes comme Wesselmann, qui réalise des collages d'objets sur des toiles qui donnent ainsi un aspect trompe l'œil, ou encore Jasper Johns, Jim Dine, David Hockney, ou Robert Rauschenberg.

Le Pop art continue d'influencer beaucoup d'artistes contemporains et reste très prisé par les collectionneurs d'art.

Voici mon deuxième portrait Pop Art "LADY BLUE" :

Voici mon deuxième portrait Pop Art "AMERICA":

Le Cubisme :

Le Cubisme est un mouvement artistique du début du XX e siècle, qui constitue une révolution dans la peinture et la sculpture, et influence également l'architecture, la littérature et la musique. Le cubisme est un mouvement d’avant-garde du XXe siècle qui a révolutionné la représentation par la géométrisation.

Le cubisme prend essentiellement sa source dans les travaux de Paul Cézanne, qui cherche à créer un nouvel espace pictural non basé sur une simple imitation du réel.

Les objets sont fragmentés, analysés, dessinés sous plusieurs angles de vue et rassemblés dans une forme abstraite au lieu d'un objet représenté d'un seul point de vue.

Picasso est, avec Braque, le fondateur du cubisme et initié l'Art Moderne au XXème siècle.

Le cubisme propose une déconstruction conceptuelle du réel, jamais abstraite, mais démultipliant les points de vue sur l’objet. Les sujets sont souvent empruntés au quotidien.

Des déclinaisons du cubisme existent également à l’international, et dans d’autres pratiques artistiques telles que la sculpture et l’architecture. Étape décisive de l’histoire de l’art, ce mouvement est l’une des voies qui ont conduit l’art moderne vers l’abstraction.

« Le cubisme est l’art de peindre des ensembles nouveaux avec des éléments empruntés non à la réalité de vision, mais à la réalité de conception. » Guillaume Apollinaire

Le mot cubisme est prononcé pour la première fois par Henri Matisse au sujet d’une toile de Georges Braque datant de 1908. Sous l’influence de Cézanne qu’ils avaient découvert, Braque et Picasso ont en effet adopté une nouvelle perspective esthétique au cours de l’année 1907. Ils cherchent à représenter le réel non pas mimétiquement, mais en le géométrisant, sans jamais atteindre l’abstraction. Les formes se découpent en de multiples facettes, comme autant de « cubes », montrant l’objet selon une perspective impossible dans la réalité. Les artistes ne cherchent plus la représentation en trois dimensions (illusionniste), mais en quatre dimensions, ce qui atteste de la nature conceptuelle de leur dessein esthétique.

En 1907, Picasso peint les Demoiselles d’Avignon dans son atelier parisien. L’œuvre est parfois présentée comme le manifeste de cette nouvelle esthétique, marquée par la découverte de la sculpture africaine, aux formes synthétiques. De nombreux artistes emboîtent le pas à Picasso, mais c’est Braque qui devient le premier compagnon de route de l’Espagnol. Ils collaborent étroitement, notamment en 1909, et élaborent un cubisme dit analytique, très hermétique, à la palette restreinte, aux effets de perspective complexes. À leurs côtés, d’autres artistes fondent aussi leur laboratoire, notamment le groupe dit de Puteaux (Albert Gleizes, Jean Metzinger, Fernand Léger…), réuni autour des frères Duchamp.

Dans les années 1910–1914, le cubisme évolue. Braque et Picasso égayent leur palette et font usage de nouvelles techniques, notamment le collage (on évoque à ce sujet la période synthétique). Mais les deux peintres, soutenus par le marchand Daniel-Henry Kahnweiler, n’exposent pas aux Salons. Le public d’amateurs a plutôt connaissance des recherches des artistes de Puteaux, notamment Gleizes et Metzinger, qui exposent, quant à eux, dans les Salons parisiens et dans un Salon dédié au cubisme : le Salon de la Section d’or. Ces autres cubistes proposent une approche moins radicale et utilisent ce style pour revisiter des thèmes classiques et modernes. La sculpture, également, n’est pas en reste. Des artistes tels que Lipchitz et Archipenko adhèrent au cubisme après Picasso, qui s’est, lui aussi, essayé à la sculpture au cours des années 1910.

L’histoire du cubisme dans les années 1910 est marquée par son affrontement avec le futurisme italien. Les deux avant-gardes sont en rivalité. Marcel Duchamp qui appartient au groupe de Puteaux, fait les frais de cette dispute en exposant son célèbre Nu descendant un escalier au Salon des Indépendants de 1912. Avec cette figure dont le mouvement se décompose dans l’espace, les cubistes français lui reprochent d’être trop futuriste. L’artiste est mieux reçu à New York, où il présente ses œuvres à l’Armory Show en 1913.

Bonjour!

Je suis ravie de vous présenter de nouvelles Toiles et Illustrations (Art Inspiré du Zentangle) disponibles à la vente sur ma boutique d'art!

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Créations inspirées du ZentangleⓇ

On peut décorer beaucoup d'articles à partir de motifs Zentangle. Ces créations sont plutôt de “l’Art Inspiré du Zentangle”. La Méthode Zentangle, c'est une méthode de relaxation par le dessin bien précise.

Les possibilités en Art Inspiré du Zentangle et les supports sont infinies! N'hésitez pas et à vos crayons et pinceaux! Vous pouvez varier les couleurs, les supports justement et les adapter à votre style créatif

La méthode ZentangleⓇ est assez addictive, car elle offre tellement de possibilités d'explorations créatives et vous éprouverez rapidement le besoin d’utiliser les motifs Zentangle pour d'autres applications créatives, notamment pour décorer des objets de votre quotidien. Vous trouverez dans cet article de blog des idées de personnalisation pour vous inspirer et à varier, comme vous le souhaitez.

Dessinez des motifs que vous aimez bien dans un carnet pour vous entraîner et imaginez-les sur un mug, des vêtements, votre paire de chaussures…Dessinez sur le support que vous avez choisi de customiser avec un matériel adapté : feutres, marqueurs peinture etc et pensez à protéger votre dessin le cas échéant (imperméabilisant pour des chaussures en tissu par exemple, vernis pour un carnet, etc). Vous obtiendrez un objet original, orné de beaux motifs et surtout totalement unique!!

1. Marque-pages

Fournitures :

- Du papier épais (grammage 300)

- un feutre de précision taille 0.2

- un feutre de précision taille 0.8

- Des feutres pinceau de vos couleurs préférées (leur pointe à la fois fine et épaisse vous permettra de remplir facilement aussi bien les grands espaces que les très petits espaces sur vos marque-pages.)

Etapes :

1. Découpez votre feuille de papier épais pour faire des marque-pages de 17,5 cm x 5 cm.

2. Tracez des contours à 3 mm des bords avec votre feutre de précision (taille 0.2) et une règle.

3. Dessinez les motifs de votre choix au feutre de précision sur vos marque-pages.

Astuce : Si les motifs que vous avez choisis comportent de grands espaces noirs, utilisez un feutre de précision taille 0.8 ou un feutre beaucoup plus gros pour remplir ces espaces plus rapidement.

Une fois toute la surface remplie, il suffira ensuite de colorier vos marque-pages selon l’inspiration du moment.

Astuce : Lorsque vous coloriez, utilisez une couleur à la fois pour remplir tous les espaces souhaités. Vous pourrez ainsi mieux maîtriser le rendu final et décider si vous souhaitez laisser des espaces non colorés ou pas.

2. Baskets

Fournitures :

● Des baskets en toile de différentes couleurs

● Des feutres couvrants pour textile (Rayher et Posca)

Etapes :

1. Avec un crayon pour tissu à pointe fine noir, dessinez les motifs choisis 

2. Coloriez  (ou non) ensuite vos motifs avec un marqueur Posca à pointe conique

3. Une fois les motifs bien secs, positionnez un fer à repasser chaud à quelques centimètres de vos baskets pour les chauffer et fixer les couleurs.

4. Vous pouvez également vaporiser de l’imperméabilisant sur vos baskets pour une meilleure tenue des couleurs dans le temps.

3. Bijoux

Procurez des bijoux à customiser type support verre et cordon de formes différentes (coeur, fleur...).

Dessinez votre motif, ajoutez-y des couleurs, en tenant compte du format du bijou (ici un coeur), insérez le papier avec le motif Zentangle dans le bijou.

Ajoutez-y quelques paillettes décoratives...

Avec de la colle à bijoux, collez le support en verre et appuyez fortement...Laissez sécher quelques heures...

Voilà vous avez réalisé un bijou unique Zentangle DIY!

4. Décoration de carnets

Vous pouvez "tangler" sur vos carnets et leur offrir une couverture unique et originale!

J’espère que vous ferez vos premiers pas en Art Inspiré du Zentangle et que vous expérimenterez les motifs sur d’autre supports que le papier. Surtout n’oubliez pas, ce n’est qu’en pratiquant qu’on devient de plus en plus à l’aise, donc ne vous découragez pas. Essayez de dessiner des motifs régulièrement sur des petits carrés de papier ou dans un petit carnet. Il n’y a pas d’erreur en Zentangle, chaque nouveau trait doit être dessiné avec bienveillance et les traits que l’on trouvait “imparfaits” ne se perçoivent plus lorsque le dessin est achevé,

ENVIE DE BOOSTER VOTRE CREATIVITE? 

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La marque ZentangleⓇ sort régulièrement au cours de l’année des Project Packs P.P.

Ils sont numérotés et le 18ème Project Pack vient de sortir sur la boutique officielle de la marque avec une nouveauté : du papier ZentangleⓇ translucide, qui crée un nouveau concept "Translucen-Z". J'ai hâte de recevoir le mien pour faire ce nouveau Project Pack!! Voici le lien pour le commander : https://zentangle.com/collections/project-packs/products/zentangle-project-pack-no-18 sur la boutique officielle ZentangleⓇ

Un ZentangleⓇ Project Pack ? Qu’est-ce que c’est ?

Un ZentangleⓇ Project Pack est un ensemble de matériel destiné à réaliser des tutoriels vidéos sur une même thématique. Les vidéos sont mises à disposition gratuitement sur la chaîne youtube de la marque. Les project packs sont numérotés, dans un joli emballage avec un élément nouveau et fun dans ces kits.

Il n'y a aucune obligation à acheter les packs pour suivre les vidéos, mais il y a toujours quelque chose de nouveau à découvrir, comme dans le PP 04 qui te permet de dessiner une grande roue de motifs d'une cinquantaine de tangles, dans le PP 10  qui te permet de choisir tes tangles avec un lancer de dé ou le PP18, qui vient de sortir avec du papier carré translucide!

Voici la vidéo d'introduction du Project Pack 18 :

Le ZentangleⓇ Project Pack N°14:

Quand j’ai découvert la méthode, j’ai été attirée par les project packs, le 14 venait de sortir. Dans celui-ci, il y a un carnet, des tuiles, et différents crayons et gelly roll Sakura. Les Project Packs se déroulent une vidéo à la fois, chaque jour pendant quelques jours!

J'ai donc suivi les séries vidéo "Project Pack" sur la chaîne Youtube de la marque Zentangle®, relatives à chaque Project Pack (du 14 au 18, qui vient de sortir!)

Le ZentangleⓇ Project Pack N°04:

Le PP 04 qui te permet de dessiner une grande roue de motifs d'une cinquantaine de tangles.

Les vidéos du project pack sont gratuites et peuvent être retrouvées à tout moment sur la chaîne Youtube Zentangle. Pour les suivre, il est plutôt recommandé d’acheter le kit que vous pouvez trouver dans la boutique en ligne de la marque Zentangle. Le kit du « Project Pack 04 » contient : 2 grandes roues faites dans du papier de très haute qualité (le même que le papier officiel utilisé pour les carrés Zentangle), des aiguilles à clipser au centre ainsi que des feutres et crayons pour dessiner et mettre de la couleur.

Si vous n’avez pas le kit vous pouvez quand même suivre les vidéos et les reprendre chez vous à votre façon.

Alors sortez vos feutres, crayons gris, gelly roll etc...

N'hésitez pas à me montrer vos créations Zentangle!

A très bientôt !

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Qu'est-ce que la Peinture Intuitive?

C’est être devant une feuille blanche, une toile blanche et se laisser guider par notre intuition, nos envies de couleurs, d’épaisseurs de traits, de formes et créer dans la joie et le plaisir sans chercher à savoir ce qu'on peint.

L'idée est de partir sans idée et d’observer ce qu’il se passe. Dans un premier temps, il sera peut être nécessaire de faire un exercice pour apprendre à lâcher prise avant de débuter la peinture pour faire décrocher le mental OU simplement s'autoriser à peindre sans obligation de résultat et sans analyser chaque coup de pinceau.

Quel est l’intérêt de la peinture intuitive ?

1/ Se laisser guider par la joie de créer quelque chose d’unique

Et rien que pour ça, vous devriez essayer !

La peinture intuitive c'est aussi prendre du temps pour soi, pour s’exprimer, pour se découvrir à travers la peinture et oser exprimer sa créativité ! Oui, oui, nous sommes tous créatifs !

2/ Se laisser surprendre !

A un moment donné, le sens de la toile apparaît, c'est LA REVELATION. Quand elle apparaît, vous êtes traversé par une vibration teintée de joie, de libération.. Bref, c'est l'extase !

3/ S'exprimer par un moyen différent et inhabituel

Parfois nous n’arrivons pas à nous exprimer ou nous nous exprimons mal ou nous nous sentons mal et nous avons du mal à le verbaliser.

Peindre est aussi un formidable moyen d'expression pour notre inconscient (parmi d’autres : danse, chant….) Cela permet de se libérer de façon différente et tout aussi efficace !

Comment fait-on ?

Mes conseils :

Si c'est votre 1ère, pour vous aider, un exercice de cohérence cardiaque, méditation, visualisation avant de commencer pour faire décrocher le mental.

Peindre en musique ! Choisissez le morceau qui vous inspire ou simplement la musique que vous avez envie d'écouter pour passer un bon moment.

Tourner la toile ! J'adore ! Oui, oui, je tourne la toile très régulièrement parce que cela permet d'activer encore plus le côté intuitif.

Prendre le temps de la regarder sous toutes les coutures et laisser faire votre imagination ! A un moment donné, vous allez voir ce que veut vous montrer votre toile, vous allez voir "LA REVELATION". Et même si ce n'est pas le cas, ça viendra.

Quand on a jamais peint de sa vie, c'est encore plus facile, on n'est pas encombré par les techniques qu'on a pu apprendre.

Alors sortez vos crayons, vos feutres, votre peinture et laissez faire !

N'hésitez pas à me montrer vos créations !

Envie d’aller plus loin ? Rejoins gratuitement le workshop "Peinture Intuitive et Ecriture Thérapie"

Une vidéo gratuite de 30 minutes disponible immédiatement après votre inscription!

A très bientôt !

Qu’est-ce que la méthode Zentangle® ?

La méthode Zentangle est une méthode de dessin intuitive et relaxante, qui a été créée par Rick Roberts et Maria Thomas, 2 artistes américains.

On ne doit pas confondre le Zentangle avec le "doodle" ou gribouillage. La méthode Zentangle est une méthode spécifique, qui entre autres déconstruit ses motifs et permet à tous  de les dessiner assez facilement. Chaque motif est une sorte de patron de dessin à suivre sereinement. Le Zentangle permet, grâce à son cadre précis, de créer une "bulle" sécurisante, où on peut créer très librement, lentement et en pleine conscience.

Cette méthode comporte de nombreux bienfaits, comme d'augmenter sa concentration, de pratiquer la pleine conscience, et d'être créatifs, tout en étant zen… Le Zentangle est parfois confondu avec du gribouillage, mais cette méthode suit un processus précis. Il y a tellement de motifs Zentangle que vous pouvez trouver sur le site tanglepatterns. com. Mais ce ne sont pas les motifs qui font l'essence du Zentangle, mais le processus créatif de pleine conscience et ses prinicpes, que l'on peut intégrer dans notre vie créative et artistique.

C'est la répétition des gestes dans cette méthode qui permet d'appréhender la philosophie du Zentangle. A force de répétition, on lâche prise et on dessine sereinement, en pleine conscience. Puis on progresse dans l'apprentissage de la méthode Zentangle et de toutes ses subtililités.

Les enfants peuvent faire du Zentangle, s'ils savent écrire leur prénom, il faudrait toutefois prendre un carré de papier plus grand, comme les carrés Apprentice de la marque Zentangle par exemple  et un feutre plus épais et solide, comme le PIGMA 05 (à ne pas confondre avec les Pigma Micron). Il convient aussi très bien pour les adultes.

• Site qui répertorie les motifs Zentangle : tanglepatterns.com
• Ma Boutique pour acheter du matériel Zentangle :https://ArtAbstraitZentangle.etsy.com
• Mes Cours en ligne de Zentangle "L'Art du Tangle" : https://lartdutangle.podia.com/
• Mon Carnet pour pratiquer le Zentangle (avec mini cours intro + répertoire+ carrés vierges) :

Les étapes de la méthode :

1. Gratitude et appréciation
2. Points à chaque angle
3. Bordure
4. Ficelle
5. Tangler (un ou plusieurs motifs Zentangle)
6. Ombrer
7. Signer
8. Appréciation (encore ! )

Je pratique quotidiennement la méthode Zentangle sur des petits carrés ou des ronds de papier, ou encore sur un petit carnet Sakura 12x12cm, voici quelques-uns de mes Zentangles pour votre inspiration, je vous souhaite de passer de belles heures de relaxation avec le Zentangle !

Pour vous initier au Zentangle, Rendez-vous sur ma page d'Initiation au Zentangle Gratuit Ici

UNE COULEUR, UN SYMBOLE?

La couleur est avant tout un phénomène subjectif et personnel. La couleur semble exprimer un réseau de symboles et de sentiments qui nous sont propres. Les raisons d’un symbole peuvent souvent être très pragmatiques. Au fil de l’histoire, la symbolique associée aux couleurs dépendait surtout des moyens techniques nécessaires à sa réalisation :

•  Au temps de la préhistoire, l’art était déjà bien présent et exprimait les désirs, les peurs, ou le quotidien des hommes. Nous ne connaissons pas toutes les techniques qui étaient utilisées, mais le rouge et le noir dominent largement les créations des artistes de la préhistoire. Ils utilisaient des pigments associés à une matière incolore et un liant, fait de graisse ou d’eau, et appliquaient la peinture à l’aide de pinceaux, de pochoirs ou de poils. Le rouge était obtenu à partir d’un oxyde de fer, l'hématite, et le noir à partir de charbon de bois, de charbon d’os ou de charbon minéral.
• L’Égypte ancienne était le temps des couleursvives et des bleus et verts intenses. Le bleu, obtenu à partir de lapis lazuli ou d’une mystérieuse recette de cadmium de cuivre, était associé au divin et à l’éternité. Peindre du bleu avait un sens profond et mystique. Le vert lui, obtenu à partir d’un carbonate naturel de cuivre, la malachite, symbolisait plutôt la nature, la vie. Un visage peint en vert annonçait ainsi une résurrection.
• De l’antiquité grecque, on retient surtout le symbolisme très technique du pourpre impérial. Celui-ci était associé au pouvoir, et ornait les chambres et toges impériales, devenant une véritable marque sociale. Et cela n’était pas sans raison ! La production d’une petite quantité de teinte pourpre nécessitait une quantité immense de mollusques, de type murex, qui étaient difficiles à trouver et à travailler.

Le symbolisme des couleurs évolue donc avec le temps et dépend également des moyens disponibles. Christophe Colomb amènera de nouvelles teintes de son voyage sur le Nouveau Continent, qui n’existaient pas alors. On peut parler du noir-violet, une teinte issue du bois de Campêche ou du bois d’hématine, un colorant qui permet l’obtention de violets, de gris et de noirs profonds.
On peut également parler de l’orangé-rouge, qui est encore aujourd’hui utilisé dans certains colorants alimentaires, du reblochon ou du cheddar, et qui est issu du roucou, un arbuste d’Amérique du Sud. La notion de couleur est grandement liée à celle de perception. D’ailleurs, qu’est-ce que la couleur exactement ?

LA COULEUR, UNE PERCEPTION?

En fait, la couleur est, à proprement parler, une perception. C’est la perception visuelle que nous avons, chacun de nous, de la répartition spectrale de la lumière. C’est Isaac Newton qui, dans sa lettre du 6 février 1672, témoigne de ce phénomène de réfraction. Il a, pour réaliser son expérience, réalisé un petit trou dans ses volets, et y a placé un petit prisme en verre. La lumière, passant à travers le prisme, s’est réfractée sur le mur, prenant une forme oblongue assez étonnante. Il lui semble alors que la direction prise par la lumière est perpendiculaire à celle du prisme, et que chaque couleur correspond à une image circulaire du soleil que l’on peut voir par réfraction. Il va étudier ce phénomène,et aboutir à la réalisation d’un premier cercle chromatique.

La couleur est donc une sensation visuelle, un ensemble de longueurs d’ondes que nous pouvons voir. L’objet que nous voyons envoie des ondes. Les cônes de nos yeux les captent et les transmettent au nerf optique. Ces informations sont ensuite contrôlées et traitées dans un temps que nous ne pouvons pas percevoir. Pourtant l’opération nous semble tout àfait naturelle, car nous ne pourrions pas imaginer le monde autrement, ni même sans couleurs. L’œil est en vérité une machine assez géniale qui traite les fréquences électromagnétiques, et le résultat de ce traitement, c’est la sensation de couleur.
Mais bien sûr, nous ne voyons pas tout. Notre œil ne perçoit que les longueurs d’ondes visibles, du violet, à 400 nanomètres, et du rouge, à 700 nanomètres. Hors de ce spectre, nous parlons d’ondes invisibles, comme celles du soleil par exemple, qui bronze notre peau.
Plus que le symbolisme associé à chaque couleur, il existe une perception qui diffère selon les individus. Même si les couleurs sont chiffrées par le biais de la colorimétrie, nous ne les voyons pas tous de la même façon. Certains troubles, comme le daltonisme, altèrent même totalement cette perception.

UNE COULEUR, DES SENTIMENTS

Les sentiments qui sont associés à chaque couleur, et à leur symbolique, diffèrent donc selon les individus. Les couleurs sont reliées à des souvenirs, à notre mémoire, et semblent pouvoir modifier nos ressentis. Cela a bien sûr un lien avec nos préférences. Certaines études affirment toutefois que les couleurs pourraient avoir des effets bien définis. Ainsi, installer des éclairages publics bleus réduirait le crime dans nos rues.
Une autre étude s’est intéressée au lien entre couleur et performance en travaillant avec des étudiants. Avant un examen, certains ont reçu une étiquette rouge, d’autres une étiquette verte. Et il semblerait que l’équipe à l’étiquette rouge a reçu de moins bons résultats à l’examen. Mais cette discipline attire beaucoup de sceptiques, car les différentes
cultures et histoires associent des symboliques différentes à chaque couleur.
Il faut donc se méfier des théories toutes faites. De plus, cet effet de la couleur peut êtretemporaire : peindre ma chambre en bleu pourrait m’apaiser un temps, mais si je la vois
tous les jours bleue, au bout d’un moment, cela ne fonctionnera plus. Il n’y a pas de recette magique pour modifier nos sentiments par la couleur. C’est plutôt l’utilisation des couleurs,
qui finement analysée, peut révéler un ressenti. Selon la mémoire affective que nous avons, une couleur sera associée à un caractère, mais les combinaisons possibles sont infinies.
On peut toutefois dresser les grands traits du symbolisme des couleurs, un symbolisme que le marketing sait bien utiliser. Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi les réseaux sociaux
utilisent souvent la couleur bleue ? Celle-ci est connue pour être apaisante, pour inspirer la confiance, et donner envie de communiquer. La combinaison avec du blanc est encore plus efficace. Cela semble logique, car un fil d’actualité rouge paraîtrait très agressif.

LA THERAPIE PAR LA COULEUR

La couleur est utilisée en elle-même, dans la discipline qu’est la chromothérapie. Celle-ci enseigne que chaque couleur présente dans notre environnement peut avoir un effet sur nous. La chromothérapie consiste donc à exposer certaines parties de notre corps à différentes couleurs via un rayonnement lumineux. Le vert est par exemple connu pour ses vertus antiallergiques et antibiotiques, alors que le magenta est utilisé comme aphrodisiaque.
En art-thérapie, ce n’est pas la couleur en elle-même qui nous intéresse. C’est plutôt la façon dont ces couleurs vont être choisies, appliquées et ressenties. Le choix des couleurs est sans doute l’étape la plus fondamentale de la création d’une œuvre. C’est aussi important que le choix d’une forme ou d’un objet à représenter.
En optant pour une teinte plus sombre, ou plus claire, l’artiste modifie le message qu’il transmet. Le patient va parfois choisir consciemment une couleur, dont le sens sera assez évident. Mais même ses choix inconscients peuvent être révélateurs. Les questions portant sur les couleurs choisies font donc partie intégrante du dialogue que vous allez mettre en place avec votre patient, car elles permettront à ce dernier d’exprimer ses ressentis.

La Symbolique des Couleurs : Effet thérapeutique des couleurs

La couleur est une sensation visuelle, un ensemble de longueur d'ondes que nous pouvons voir.

Plus que le symbolisme associé à chaque couleur, il existe une perception qui diffère selon les individus..

Nous ne voyons pas les couleurs de la même façon.

Les sentiments qui sont associés à chaque couleur, et à leur symbolique, diffèrent donc selon les individus. Les couleurs sont reliées à nos souvenirs, à notre mémoire, et semblent pouvoir modifier nos sentiments.

C'est l'utilisation des couleurs qui révèle un ressenti. Selon la mémoire affective que nous avons, une couleur sera associée à un caractère, mais les combinaisons possibles sont infinies.

En bref, les couleurs permettent d'exprimer nos ressentis personnels.

JAUNE : lumière, soleil, luminosité, aspect positif fort, joie, rayonnement

VERT : Guérison, Nature, Renaissance, printemps, équilibre, apaisement, neutralité et détachement

TURQUOISE : Eau, mer, lagon, apaisement et purification, transformation et évolution

BLEU CIEL : ciel, rêve,imagination, partage, communication et échange avec autrui.

OUTREMER : Mélange de jour et de nuit. Bleu pacificateur exprimant une certaine sérénité, concentration et attention, antistress

POURPRE : stabilité et énergie. A la fois stimulante et apaisante. Délicatesse et raffinement. Imagination et créativité

MAGENTA : Emotion et cœur, patience , acceptation, gentillesse, beauté

ROUGE : énergie, force ,passion, intensité, activité, colère

ORANGE : Energie du rouge et gaieté du jaune. Chaleur, joie et créativité, enthousiasme, changement et encouragement.

MARRON : Terre, stabilité et équilibre et du soutien. Sens du devoir et des responsabilités.

OR : Teinte réelle de la lumière. Elégance et plénitude, Energie masculine

ARGENT : Energie féminine, lunaire

NOIR : Mystère, obscurité, secrets, tristesse, le noir cache

BLANC : Le blanc illumine, pureté, immaculé, innocence, envie de nouveau départ, clarifier les choses.

GRIS : neutre, détachement, impartialité, compromis

A bientôt pour un prochain article de blog

Sophie

Créativité antistress : Coloriage, Mandala et Zentangle!

COLORIAGE ANTISTRESS

Vous avez dû remarquer l’engouement récent pour les coloriages pour adultes. Cette activité fait appel aux idées d’une thérapie par l’art, et permet à chacun de se relaxer grâce à la pratique artistique, d’entrer dans un état de concentration qui permet la pleine conscience. Le coloriage est idéal dans de nombreuses situations :

 Il permet de réduire le stress. Cela n’est pas négligeable. Dans nos sociétés pressées par le temps, nous vivons en quelque sorte sans conscience, en pilotage automatique, comme débordés par l’idée desuccès. Le stress est causé par un influx d’hormones. Le coloriage, par son aspect méditatif, permet de réduire cet influx. L’esprit se focalise sur sa tâche.

Il permet d’utiliser à la fois les fonctions analytiques et créatives du cerveau : il faut choisir les formes et mélanger les couleurs.

Il est idéal pour les enfants.

Il permet de développer une pensée méditative.

POUR ALLER PLUS LOIN :

Mon livre de coloriage adultes "Sophie's Gems"

Mon livre de coloriage adultes "Sophie's Zentangle"

LES MANDALAS
Plus que le coloriage, le mandala, ou plus généralement le dessin centré, rencontre un grand succès. Il est utilisé autant dans l’art-thérapie que pour une pratique personnelle. C’est un outil idéal pour se restructurer. Le mot mandala signifie « cercle », en sanskrit. Il est utilisé dans les courants bouddhistes et brahmaniques pour représenter l’univers de façon géométrique et symbolique. On retrouve ce motif partout : dans le labyrinthe, le kaléidoscope, les rosaces des églises, les flocons de neige, le système solaire. Le principe est toujours celui d’un point central autour duquel tournent différentes énergies.

EXERCICE – REALISER SOI- MEME UN MANDALA
1. Sur une feuille, tracez un cercle à l’aide d’un compas.
2. Marquez le centre du cercle. Tracez les lignes directrices, pour diviser votre cercle en quatre, puis en huit.
3. Si vous voulez que vos lignes soient dessinées précisément, utilisez un rapporteur et créez des angles de 45°.
4. Commencez par dessiner une forme près du cercle.
5. Dessinez une nouvelle forme autour de celle-ci.
6. Ensuite, continuez à réaliser votre mandala par cercles concentriques, en répétant toujours les mêmes motifs de façon symétrique. Ajoutez autant d’éléments que vous le souhaitez, et n’oubliez pas la couleur

Voici l'un des mandalas que j'ai dessinés pour vous : n'hésitez pas à le téléchargez et le mettre en couleur!

Envie d’aller plus loin ? Rejoins gratuitement le workshop "Mandala Intuitif Facile !"

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A très bientôt !

POUR ALLER ENCORE PLUS LOIN :

Mon cours en ligne "Dessiner et Peindre des Mandalas, outils puissants de développement personnel"

ZENTANGLES ET GRIBOUILLAGES MEDITATIFS
Cette autre pratique, sorte de « gribouillage méditatif », permet aussi de se concentrer, de se relaxer, et de réduire son taux de stress tout en améliorant ses capacités de création. C’est de plus une activité très simple à réaliser, autant dans le cadre d’une thérapie, que lorsque vous avez un moment de libre. Il suffit en effet d’un stylo à encre noire et du papier !
L’idée n’est pas ici d’exprimer ses émotions, mais de se concentrer sur l’aspect relaxant de la pratique artistique. Celle-ci n’est pas technique, et sa simplicité permet au patient de s’exprimer librement, mais aussi d’instaurer une relation de confiance. Il s’agit de réaliser des motifs structurés et répétitifs.
Le Zendala, le doodle, évoquent les mêmes pratiques et se rapprochent du « wild style » ou du graffiti. C’est réaliser des dessins aléatoires, dans toutes sortes de situations, chose quel’on fait souvent instinctivement, au téléphone par exemple, un stylo à la main.

EXERCICE – RÉALISEZ UN ZENTANGLE
1. Découpez dans une feuille un carré blanc, de 9 cm de côté. Vous pouvez aussi dessiner sur une feuille une forme à l’intérieur de laquelle vous dessinerez.
2. Munissez-vous d’un feutre ou d’un stylo noir. Surtout pas de règle !
3. Au sein de votre forme ou de votre carré, dessinez une ou plusieurs lignes courbes.
Elles serviront à structurer le dessin, et ne seront plus visible à la fin.
4. Au sein de ces petits compartiments, réalisez à chaque fois un motif, simple et géométrique, que vous répétez. Cela peut-être un trait, un rond, une bulle, de petites
formes très basiques.
5. Si vous vous trompez, n’effacez rien : continuez. Cela vous encourage à vous concentrer à l’avenir sur chaque geste de votre stylo, et à vous focaliser entièrement
sur votre tâche.
6. Continuez à répéter vos motifs, jusqu’à ce qu’à ce que votre dessin soit, selon vous, terminé.

Ma Boutique pour acheter du Matériel dessin Zentangle : https://www.etsy.com/fr/shop/ArtAbstraitZentangle?ref=seller-platform-mcnav&section_id=39465080

Mes Cours en ligne de Zentangle "L'Art du Tangle" : https://lartdutangle.podia.com/

Je pratique au quotidien le Zentangle, voici l'un de mes derniers Zentangles réalisés dans mon carnet : il s'agit même d'un Zendala, mandala réalisé avec des motifs Zentangle! A bientôt pour un prochain article de blog! Sophie

Qu'est-ce que l'Art-Thérapie?

L’art-thérapie est une discipline qui se situe au croisement de la science et de l’art, dans le champ d’application de la psychologie et de la psychothérapie.

L’objectif de cette thérapie est d’utiliser l’art comme médium pour aider le patient à effectuer une transformation, un changement.
L’objectif d’une séance d’art-thérapie est d’utiliser l’activité artistique pour réorganiser le processus naturel d’expression. Cette thérapie peut aider à la
résolution de nombreux cas de démences, mais aussi de stress ou d’anxiété.

Deux idées majeures sont comprises dans l’art-thérapie :

• Le processus de création est un moyen d’expression,
• C’est un moyen de communication symbolique, l’art étant une œuvre de l’esprit.

Le patient n’est pas un artiste, puisqu’il s’agit justement de faire émerger la personnalité artistique qu’il a en lui afind’aboutir à un changement ou une meilleure connaissance de lui-même.

 L’art est souvent lié au trouble et à l’obscur. On connaît cette figure de l’artiste torturé, qui transmet sous des formes nouvelles sa vision du monde. Van Gogh peindra avec son esprit illuminé des nuits étoilées merveilleuses. Le poète Charles Baudelaire exprime sa dépression et son spleen dans ses vers. La figure du musicien est souvent reliée au portrait d’un humain qui exprime son mal-être. Ce n’est évidemment pas que l’art rend fou ! C’est plutôt que ces esprits torturés semblent s’être dirigés naturellement vers la créativité comme recours à leur mal. Georges Braque nous dit « L’art est fait pour troubler : la science rassure. »

L’art-thérapie favorise une vision positive et humaniste de l’Homme, capable de dépasser les obstacles qu’il rencontre grâce à ses ressources intérieures, qui doivent parfoisêtre débloquées. Et c’est l’art, en tant que médium, qui va jouer ce rôle face au blocage, même s’il ne reste qu’un intermédiaire.

L’art est le domaine propre de la création et de l’expression personnelle, et faire de l’art semble toujours avoir été un processus libérateur. L’art et le processus de création servent alors de médiums d’expression et de réalisation. Le patient peut exprimer et libérer émotions, souffrances, et ainsi évoluer ou mieux utiliser ses ressources intérieures.
Le but n’est bien sûr pas de créer un chef-d’œuvre, ou de juger l’œuvre produite d’un point de vue qualitatif. Il s’agit de construire une image de soi et de la perception que
nous avons du monde, à travers la création, pour aller vers un changement.

La paternité de l’Art-Thérapie est le plus souvent attribuée au peintre anglais Adrian Hill, qui sera le premier à prouver l’efficacité de cette thérapie.
Dans les années 40, alors qu’il est tuberculeux, il est placé en quarantaine. Il décide alors de se mettre à dessiner. Son rétablissement rapide étonne. Il va alors souligner le lien entre satisfaction de l’esprit via la création et guérison, et publiera « L’art contre la maladie ». Cette approche sera reprise par la Croix-Rouge britannique qui l’utilisera sur les soldats et civils blessés.

À partir de l’art, de nombreuses recherches et idées vont émerger. Sigmund Freud étudie la sexualité et la sublimation dans les œuvres de Léonard de Vinci. Lui aussi voit l’art comme un langage inconscient, l’expression de symboles. Le langage symbolique de l’art semble alors pouvoir être utilisé dans le cadre d’une thérapie. Carl Jung réalise lui-même ce qu’on appelle des « dessins centrés », des mandalas, et souligne les bienfaits qu’ils ont sur lui.

La couleur concerne bien sûr une discipline thérapeutique qui lui est propre, la chromathérapie, mais elle a également toute son importance dans l’art-thérapie, par les liens
qu’elle entretient avec notre cerveau, nos souvenirs, notre mémoire. La couleur est avant tout un phénomène subjectif et personnel. La couleur semble exprimer un réseau
de symboles et de sentiments qui nous sont propres.

POUR ALLER PLUS LOIN :

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POUR ALLER ENCORE PLUS LOIN :

Gérer son stress avec la Zen Art TherapyⓇ, Relaxation Dessin

A bientôt pour un prochain article de blog!

Sophie Queuniez

Coach Certifiée en Art Thérapie

Vous êtes passionnée par l'art, la peinture et plus particulièrement par la peinture abstraite, mais vous vous demandez comment vous y prendre, quel matériel utiliser...

Je vais donc vous faire part de mon expérience d'Artiste peintre professionnelle, spécialisée dans la peinture abstraite.

En effet, la peinture abstraite a l'air facile au premier abord, en fait, cela fonctionne comme pour la peinture figurative. Il y a du matériel précis et des techniques précises à utiliser.

Je vais donc vous les présenter pour que vous puissiez vous avoir une vue d'ensemble qui vous aidera à vous lancer dans la peinture abstraite. Parce que la peinture abstraite, c'est vraiment passionnant et accessible !

Définition et Histoire de l'Art :

Tout d'abord, la peinture abstraite dans l'histoire moderne de l'art remonte au début du Xxème siècle. Elle ne se réfère à rien de réel au niveau figuratif, le premier est Wassily KANDINSKY en 1910 à avoir expérimenter ce concept, qui se libère de l'imitation du monde.

Cette peinture ci-dessus est un exemple illustre de peinture abstraite, KANDINSKY est l'un de mes maîtres préférés, son génie une grande source d'inspiration pour moi.

Comme vous le constatez, les couleurs, la manière dont elles se répondent, la composition sont des éléments-clé de la peinture abstraite. Ce sont mes préoccupations constantes, il y a des techniques, alliées à son monde intérieur vont concourir à créer une œuvre unique, originale, vibrante, expressive et porteur d'émotions.

Voilà exactement ce qu'est la peinture abstraite : si vous cherchez à vous exprimer, à vous réaliser artistiquement, la peinture abstraite est à mon sens un des meilleurs médias pour cela.

Dans ces précurseurs de la peinture abstraite, on compte également le peintre américain Jackson POLLOCK, qui a inventé la technique du Dripping, qui consiste à jeter de la peinture sur la toile pour la couvrir complètement à l'aide de gel filant. Pollock est un peintre américain de l'expressionnisme abstrait, mondialement connu de son vivant et faisant partie d'un mouvementartistique caractérisé par les gestes associatifs libres de la peinture parfois appelés «action painting».

Donc vous l'aurez compris, l'art abstrait est relativement récent par rapport à l'art figuratif. Des artistes comme KANDINSKY ou POLLOCK, pour ne cite qu'eux, ont été des figures de proue de la peinture abstraite au Xxème siècle.

Cette peinture ci-dessus est un exemple illustre de peinture abstraite, KANDINSKY est l'un de mes maîtres préférés, son génie une grande source d'inspiration pour moi.

Comme vous le constatez, les couleurs, la manière dont elles se répondent, la composition sont des éléments-clé de la peinture abstraite. Ce sont mes préoccupations constantes, il y a des techniques, alliées à son monde intérieur vont concourir à créer une œuvre unique, originale, vibrante, expressive et porteur d'émotions.

Voilà exactement ce qu'est la peinture abstraite : si vous cherchez à vous exprimer, à vous réaliser artistiquement, la peinture abstraite est à mon sens un des meilleurs médias pour cela.

Dans ces précurseurs de la peinture abstraite, on compte également le peintre américain Jackson POLLOCK, qui a inventé la technique du Dripping, qui consiste à jeter de la peinture sur la toile pour la couvrir complètement à l'aide de gel filant. Pollock est un peintre américain de l'expressionnisme abstrait, mondialement connu de son vivant et faisant partie d'un mouvementartistique caractérisé par les gestes associatifs libres de la peinture parfois appelés «action painting».

Sydney Pollock

De nos jours, la peinture abstraite est très tendance, et de nombreux artistes peintres la pratiquent. Vous pouvez vous dire : alors pourquoi moi ?

Parce que la peinture abstraite permet d'exprimer une identité artistique unique et originale : on ne peut pas vraiment copier une œuvre abstraite, elle est l'expression à l'instant T d'un « flow », d'une énergie, d'une main unique et d'un monde intérieur. Nous sommes tous uniques et donc même après avoir acquis les bonnes techniques et le bon matériel, chaque peinture sera totalement unique. Moi-même, je suis incapable de refaire 2 fois la même œuvre, car déjà je n'aime pas ça, ensuite je ne suis plus dans le même « mood », la même énergie etc.

C'est à mon sens, l'une des plus grandes qualités et l'un des grands intérêts de la peinture abstraite : elle représente un énorme champs des possibles artistique !!! Et ce pour chaque personne ayant « une âme d'artiste » ou un créatif...et ça, c 'est génial !

Vous connaissez maintenant l'ESSENCE de la peinture abstraite et pourquoi vous pouvez vous lancer si vous en avez envie !!!

Pour aller plus loin :

Téléchargez mon guide gratuit sur les secrets de la peinture abstraite ici!

Pour aller encore plus loin :

Faire votre Premier tableau abstrait facilement!

Découvrez toutes les techniques et le matériel pour réaliser vous-même votre propre tableau Abstrait à l'Acrylique!

Qu'est-ce que la Peinture Abstraite ?

Comment faire un fond en dégradé + glacis

Comment faire un premier plan au couteau à peindre

Technique des projections, effet de profondeur avec des aérosols

Quelles techniques et matériel utiliser?

Comment faire votre propre Tableau Abstrait?

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A bientôt pour un prochain article de blog! Abonnez-vous à ma newsletter!

Sophie Queuniez

Lâchez-prise pour créer librement avec l'Art Journaling!

Le lâcher-prise est un mot qui revient souvent dans notre quotidien. Vous avez envie de dessiner régulièrement mais n’arrivez pas à le faire malgré tout le bien que cela vous apporte ? « Lâchez-prise et vous arriverez à créer chaque jour sans vous poser de question ! »
 

Comment définiriez-vous le lâcher-prise ? Il est bien possible que nous donnions à ce mot une définition différente selon notre vie et selon le domaine auquel nous voulons appliquer ce fameux lâcher-prise.

Personnellement, j'ai vécu une expérience de lâcher-prise créatif total quand j’ai commencé mon tout premier artjournal. Il était tellement imparfait, tellement maladroit,  et en même temps tellement libre !

Il y avait bien longtemps que je dessinais et peignais, mais avec mon art journal, j’avais comme  "retrouvé" ce qui me faisait vibrer depuis le début, cette espèce de liberté totale qu’on ressent quand on commence une nouvelle activité, qu’on sent que tout est possible! Mon Art Journal est devenue mon terrain de jeux, et même mon laboratoire d'idées pour mes toiles abstraites...

Cela dit, cette liberté créative se perd par la suite en voulant toujours obtenir de meilleurs résultats, ce qui les ralentit énormément dans l’atteinte de nos objectifs créatifs, c’est vraiment cette volonté de ne pas se tromper, cet attachement au trait parfait, à la composition parfaite, qui nous fait parfois perdre tout le plaisir créatif et nous pousse à laisser beaucoup de tableaux en suspens, en attendant qu’arrive l’idée parfaite.

Nous sommes tous dans le même bateau, la recherche de lâcher-prise concerne tout le monde à tous les niveaux, et c’est véritablement un travail de tous les jours. Je  l’ai beaucoup expérimenté et je continue d’explorer cette recherche de lâcher-prise chaque jour dans ma propre vie, 

Quelles sont les étapes pour atteindre les résultats recherchés ?

1. Le vouloir vraiment

La toute première étape avant de lâcher-prise, et ça c’est valable aussi bien en art que dans la vie de tous les jours, c’est déjà la volonté de laisser tomber nos exigences et tous les codes auxquels nous avons pu nous identifier par le passé. Sans cette volonté profonde rien ne se passe. Souvent nous nous attachons à nos croyances avec tellement de ferveur que la perspective de s’en détacher nous fait croire que nous allons devoir renier tout ce que nous sommes pour y arriver.
« Libérez-vous de vous-mêmes« , nous dit Guy Finley dans son livre « Lâcher-prise« .
Qu’est-ce qui motive cette libération de soi-même ? C’est la volonté, la volonté forte d’y arriver et la volonté de ne plus souffrir. Vouloir tout faire parfaitement est une souffrance très forte et très intense car elle nous paralyse totalement et nous rend malheureux, et personne d’autre que nous-mêmes n’a le pouvoir de faire cesser cette souffrance.

2. « Lâcher » nos résistances

Le terme « lâcher » est très intéressant car il sous-entend justement une action de s’accrocher. On ne peut lâcher que ce qu’on tenait fermement.
Si nous avons pu faire le choix de nous accrocher à une pensée, nous pouvons aussi faire le choix de nous en détacher, simplement en posant une intention claire à ce sujet et en gardant en tête pourquoi c’est important (par exemple pour se sentir léger, retrouver de la joie et du plaisir à créer, s’amuser, échanger avec les autres…).
Visualiser tout ce qui nous paralyse (peur de décevoir, peur d’être déçu, peur de se tromper, peur de mal faire, peur d’être critiqué, peur d’y arriver…), visualiser qu’il s’agit en fait de nos peurs et que c’est nous qui avons décidé de nous y accrocher, et décider de littéralement de les lâcher.

3. S’efforcer de pratiquer chaque jour

Le lâcher-prise, comme la plupart des habitudes qu’on a envie de mettre en place, c’est comme un muscle – plus on le pratique et plus on est à même de l’appliquer de plus en plus facilement. Il ne s’agit pas d’une chose qu’on essaye une fois comme ça pour voir et qu’ensuite on oublie en disant « ça n’a pas marché pour moi ». C’est un muscle qu’on entraîne. Et de la même manière qu’on n’utilise pas une machine de musculation pour faire du cardio, les outils vont être différents selon le domaine dans lequel vous avez besoin de lâcher-prise.
Vous avez envie de créer dans le lâcher-prise ? La meilleure chose à faire peut déjà être de créer chaque jour avec une intention de lâcher-prise, tout simplement. C’est seulement dans l’action que vous pourrez réellement expérimenter les résultats de votre lâcher-prise et profiter de cette légèreté nouvellement acquise.

Concernant la création artistique, il existe différents outils qui favorisent le lâcher-prise : notamment l'art journaling qui permet de s’exprimer librement avec tout matériel créatif à disposition.

Qu'est-ce qu'un Art Journal?

Un « art journal » est un terme anglosaxon qui désigne un carnet dans lequel on s’exprime de façon créative avec les outils de son choix (couleur, mots, dessins, gribouillages, collages…).

Tenir un art journal comporte de nombreuses vertus. Pour n’en citer que quelques unes, l’art journaling permet entre autres de s’exprimer autrement qu’avec des mots, développer sa créativité, prendre du temps pour soi, être à l’écoute de son intuition, découvrir et tester du matériel créatif (feutres, pastels, peintures, encres…), profiter de l’instant présent en se concentrant sur l’action de remplir une page… Il s’agit d’un outil puissant qui peut nous apporter beaucoup de bien-être au quotidien.

L'art journaling apporte des bénéfices dans d’autres domaines créatifs et permet de passer le cap de la peur de « mal faire ».

Envie d’aller plus loin ? Rejoins gratuitement le workshop "Artjournal Botanique"

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Sophie Queuniez

Artiste et Coach Certifiée en Art Thérapie

Qu'est-ce que la Créativité?

Comment développer sa créativité?

"Créer, c'est concevoir quelque chose de nouveau..."

Comment fait-on quand on n'est pas Picasso?

La créativité est bien souvent associée à une création d'une oeuvre plastique et artistique.

Essentielle, cette forme de créativité offre de nombreux bienfaits :

• Elle nous procure du plaisir, de l'émerveillement
• Elle nous rassure sur nos capacités, et par là, nous donne confiance en nous
• Elle est un moyen d'exprimer nos émotions et ainsi de mieux les gérer
• Elle permet de donner vie à notre imaginaire, première étape vers la réalisation de nos rêves
• Elle stimule nos capacités cognitives et intellectuelles

Mais la créativité ne se limite pas à cette définition. Elle est bien plus vaste et nul besoin d'être Picasso pour pouvoir créer!

Nous sommes tous des créatifs! Il y a juste ceux qui le savent et le vivent, et ceux qui l'ignorent et passent à côté...

A une seule condition : de sortir du rationnel, d'abandonner ses schémas de pensée habituels et d'envisager la vie d'une façon nouvelle...

Créer, c'est puiser à la source et faire appel à l'inspiration. C'est faire remonter à la surface tout ce que nous sommes au plus profond de nous et c'est aussi vital que l'air ou l'eau.

En quoi cela peut vous être utile d'être créatif? La créativité vous  réserve nombre de bienfaits!

On dit en effet que la créativité est thérapeutique et pour s'en convaincre, il suffit de constater les bienfaits qu'apporte l'art thérapie.

La créativité permet de :

• Passer un cap difficile : les personnes créatives sont plus à même de vivre avec le doute, l'incertitude, car elle permet de développer la confiance en soi
• Garder le moral : la créativité entraîne une humeur positive, car elle réduit le stress et donc améliore le bien-être. Le fait de porter toute notre attention sur notre création nous amène à rester centré sur l'instant présent, en pleine conscience, d'être dans le "flow". Cela nous procure une sensation de bien-être, de confiance en nos capacités et nous rend heureux ..dehors les soucis...
• Développer la confiance en soi : Reconnaître nos capacités à travers nos expériences créatives permet de se sentir plus serein face aux alés de la vie. La créativité est une énergie stimulante, car une idée en amène une autre et ainsi de suite. Un cercle vertueux s'installe!
• S'affirmer: la créativité favorise une meilleure connaissance de soi et l'expression de sa nature profonde. Car pour trouver une idée créative, on puise au fond de soi, dans son intuition, dans ses rêves, dans son imaginaire, dans son histoire, dans ses sensations, ses goûts. On mobilise tout son être : on se reconnecte à soi!
• S'estimer : la créativité développe le sentiment d'être utile et d'avoir de la valeur, puisque étant unique, chacune de nos idées créatives portera la marque de notre inventivité, de notre sensibilité, de notre personnalité. La créativité contribue à développer et maintenir une représentation positive de soi, c'est-à-dire de s'estimer.
• Se réaliser : c'est concrétiser son potentiel, croître et s'épanouir pleinement...

En bref, la créativité nous donne les moyens, l'élan pour réussir la vie dont nous serons fiers...Nous transformons notre vie en la rendant plus intense, plus singulière et plus intéressante grâce à la créativité!

CREATIVITE THERAPY!

WISH LIST : J'aimerais que la créativité me permette de :

• Me faire plaisir
• Etre fier de mes réalisations
• M'amuser
• Me ressourcer
• Me faire confiance
• M'épanouir
• Me découvrir

Faites-vous confiance, expérimentez...et vous verrez!

Si vous avez une capacité innée à créer, choisir de l'activer ne pourra qu'enrichir votre vie!

EXERCICE CREATIF :   1 MANDALA A COLORIER

Je vous offre ci-dessous l'un des mandalas que j'ai dessinés (Illustratrice : Sophie Queuniez)

Enregistrez-le et imprimez-le, si possible, sur du papier dessin fin (clic droit sur l'image et enregistrer sous)

Coloriez le mandala, en choisissant les couleurs d'instinct...Créez votre harmonie, surprenez-vous à éviter la symétrie, à risquer des mariages de couleurs...

Pendant la mise en couleur, qu'avez-vous ressenti? De la détente, du bien-être, une paix intérieure, de l'ennui..N'hésitez pas à me le partager dans les commentaires en bas du billet du blog...

C'était :

• Très facile
• Facile
• Difficile

Avez-vous aimé ou pas cet exercice créatif?

Si vous avez aimé, vous êtes en train de prendre contact avec votre créativité en douceur. En choisissant les couleurs et les harmonies, vous avez traduit votre état intérieur, votre sensibilité, en création. Bravo!

Si vous n'avez pas aimé, pas d'inquiétude. Vous allez vous familiariser avec votre créativité tout doucement, peut-être identifier des blocages qui vous empêchent de libérer votre créativité. Ou peut-être êtes-vous trop pressé de créer une oeuvre plus complexe.

Etes-vous sûr de ne rien pouvoir apprendre de vous avec ce coloriage?

POUR ALLER PLUS LOIN...

Si vous souhaitez continuer à explorer votre créativité en mettant en couleur d'autres mandalas, je vous invite à aller regarder ma vidéo sur mon dernier livre de coloriage d'art thérapie pour adultes "Sophie's Zentangle", où vous trouverez de nombreux autres mandalas que j'ai dessinés pour vous permettre de développer votre créativité!

Lien direct Amazon : Mon Livre de coloriage "Sophie's Zentangle"

POUR ALLER ENCORE PLUS LOIN...

Si vous êtes créatif et que la mise en couleur de mandalas a stimulé votre créativité, mais que vous voudriez aller encore plus loin et apprendre à dessiner vos propres mandalas et les peindre, je vous invite à aller jeter un coup d'oeil sur mon atelier en ligne "Dessiner et Peindre un Mandala!"

Mon atelier en ligne "Peindre et Dessiner un Mandala!"

A bientôt pour un prochain article de blog!!!

Sophie Queuniez

Artiste et Praticienne en Art Thérapie

Je suis heureuse de partager avec vous ma joie de suivre en octobre prochain du 07 au 10 octobre 2022 prochain le séminaire de formation de Professeur de Zentangle CZT-EU 6 (Certified Zentangle Teacher)!!!! Je n'avais pas pu le faire l'année dernière par manque de budget, mais j'ai pu économisé pendant une année...

J'ai découvert le Zentangle : la méthode et l'Art Inspiré du Zentangle en 2019...en faisant des recherches sur Internet sur la relaxation que produit le dessin...En effet, cette méthode de relaxation par le dessin en pleine conscience a été inventée par deux américains, Rick Roberts et Maria Thomas, elle permet en 8 étapes de pouvoir se relaxer par du dessin méditatif, en déconstruisant des motifs Zentangle par une séquence de dessin et en ombrant en autres..."Tangle" veut d'ailleurs dire en anglais "enchevêtrement", c'est une méthode très connue et très pratiquée aux Etats-Unis...Cette méthode est accessible à tous, même si on ne sait pas dessiner...En réalité, le Zentangle est un univers artistique complet et apaisant...le Zentangle est aussi une grande communauté artistique internationale et bienveillante...

Quand j'ai connu le Zentangle, j'étais déjà artiste peintre abstrait et illustratrice professionnelle depuis quelques années : le Zentangle a pris de l'importance progressivement dans mon quotidien, puis dans mes activités artistiques  professionnelles. Voulant approfondir le Zentangle et sa méthode, j'ai pris des cours auprès d'une CZT (Certified Zentangle Teacher) française, Jijihook...la passion du Zentangle grandissant en moi, j'ai décidé de devenir CZT et passer la certification en octobre prochain!! En plus de mes ateliers en ligne de peinture abstraite (voir ateliers en ligne), j'ai donc la joie d'enseigner et de partager, avec tous ceux qui veulent se relaxer par le dessin, cette méthode simple et merveilleuse, en animant des ateliers et cours en ligne de Zentangle!! Car cette méthode de dessin possède un Copyright, il faut être Enseignant Certifié de Zentangle pour pouvoir l'enseigner légalement; par contre, on peut la pratiquer librement dans son quotidien artistique...

Sans dévoiler des éléments confidentiels, je vous fais un retour sur l'expérience de ma certification CZT : une expérience inoubliable, 101 participants pour 22 pays durant 4 jours, en direct de Munich...Seuls les CZT (Certified Zentangle Teacher) ont le droit d'enseigner la méthode ZentangleⓇ, la marque ZentangleⓇ est une marque déposée par les créateurs américains de la méthode, Rick Roberts et Maria Thomas. https://zentangle.com/

A bientôt!

Sophie

Mes Cours en ligne de Zentangle "L'Art du Tangle" : https://lartdutangle.podia.com/

Ma Boutique pour acheter du matériel kit Zentangle : https://www.etsy.com/fr/shop/ArtAbstraitZentangle?ref=seller-platform-mcnav&section_id=39465080

https://conzentric.art/en

Je suis ravie de participer pour la troisième fois à la méga exposition collective d'EXPOMETRO à Los Angeles cette fois-ci!!

Du 18 au 25 juin, je participe à la plus grande Oeuvre Collective Mondiale.  J'exposez mon oeuvre "Painter's Cocoon" sur un panneau spectaculaire visible par 1 Million de personnes à Los Angeles.

L'original a été vendu en cette début d'année 2022 et fait partie d'une collection privée en France...mais ici, il s'agit d'une oeuvre collective numérique, composée d'oeuvres de 1000 artistes, qui s'affiche sur une affiche géante dans le centre ville de Los Angeles! Cette oeuvre numérique sera vendue aux enchères NFT sur un site d'art spécialisé!

Je vous partagerai les vidéos et les infos relatives à cette exposition extraordinaire!! https://expometro.co/fr/exhibition/2022-los-angeles

BLUE MOON

SUNSET

Ces 2 tableaux abstraits à l'acrylique, respectivement 50X70cm et 60X80 cm, ont été achetées par ma cliente en Corse qui avait déjà acheté GOLD en mai! Un vrai plaisir de voir son travail apprécié comme cela et une joie pour une artiste peintre!!

Bonjour,

Aujourd'hui, dans le blog, j'ai envie de partager avec moi la joie d'avoir vendu 3 de mes nouvelles toiles abstraites en 3 jours!!! Très contente comme à chaque fois!

Pour un artiste peintre, c'est toujours une joie et une reconnaissance de voir qu'un amateur d'art choisisse son oeuvre d'art originale et personnelle plutôt qu'une autres,

parce qu'il a eu un vrai coup de coeur et s'est totalement "projetté" dans cette oeuvre et finalement, l'achète pour qu'elle continue sa "jolie vie" avec lui, dans son intérieur!!

La Magie de l'Art...qui crée des liens entre les êtres humains d'une façon si particulière!

Sophie

"A KING OF MAGIC" (2021) part à Valenciennes, "NEBULEUSE" (2021) dans le Languedoc-Roussillon et "RED LIGHT" (2021) en région parisienne.

Bonjour les amis créatifs!

Aujourd'hui, dans mon blog, j'ai envie de vous parler de mes dernières illustrations inspirées du Zentangle et Zendoodle!!

Lion, licorne, papillon, paon, mandalas etc

Vous les retrouverez sur ma boutique REDBUBBLE. Ces illustrations seront imprimées à la demande en fonction de votre commande!

Ma boutique REDBUBBLE : https://www.redbubble.com/fr/people/SophieQueuniez/shop

Elles sont magnifiques et rendent vraiment bien sur un sac, un carnet, un T-shirt, une horloge!

Vous avez 10% de réduction sur votre première commande, profitez-en!

Et portez et décorez votre maison avec des illustrations originales d'une artiste!

Voici un exemple:

Je suis trop contente de pouvoir exposer l'une de mes toiles abstraites, MY SPANISH HEART, dans les rues de Monaco grâce à EXPO METRO!!!!

Moi, qui aime tant cette ville, elle est liée à de beaux souvenirs d'enfance de vacaces : flâner dans les rues de Monaco, se balader dans ses jardins, visiter le musée océanographique de Monaco, boire un verre en terrasse au bord de la Méditerranée que je chéris tant!!!!

Vous l'aurez compris, je suis super contente!! J'adore!!

Une belle journée

Sophie

Voici ma toile MY SPANISH HEART, toile hommage à mes racines espagnoles et donc méditérannéennes, qui sera exposée à Monaco :

Le samedi 03 avril 2021

Bonjour les amis créatifs!

J'espère que vous gardez le moral en ces temps difficiles..Personnellement, je pense que l'art et la créativité sont des ressources précieuses en ces temps de confinement...

C'est aussi une occasion de pouvoir en apprendre davantage sur l'histoire de l'art, ce qui va encore nous enrichir artistiquement...

Je vous partage un "bon plan" : les MOOC culturels de la Fondation Orange. Cela fait un moment que je suis inscrite et que j'apprends régulièrement de nouvelles choses sur l'Art et son Histoire...

Le dernier MOOC mis en ligne par la Fondation ORANGE me touche particulèrement : FEMMES PEINTRES A TRAVERS LES AGES!

J'ai toujours aimé le parcours difficile mais passionnant de femmes peintres tels que Suzanne VALADON, Berthe MORISOT à des femmes peintres plus  contemporaines..Niki de St PHALLE, Frida KAHLO, Mary CASSAT, Marie LAURENCIN, Tamara de LEMPICKA, Sonia DELAUNAY pour ne citer que les plus célèbres...

Nous allons pouvoir en apprendre beaucoup sur les parcours de ces femmes qui se sont lancées dans un art, alors réservé aux hommes...

Ce sujet m'enthousiasme beaucoup et je me sens concernée d'autant plus par mon métier de Femme Peintre...

Je vous mets le lien pour vous inscrire GRATUITEMENT ci-dessous :

https://mooc-culturels.fondationorange.com/course/index.php

N'hésitez pas à mettre un commentaire sur ce billet de blog : je serais ravie d'échanger avec vous sur ce sujet!

Sophie Queuniez